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国际艺术大奖赛双年展艺博会境外展览

第十九届美国肖像画协会颁奖典礼

两人

谈

雅克.路易.大卫，法国新古典主义画派奠基人和杰出代表，16岁时考入皇家绘画雕塑院学习，因为在连续三年的追逐“罗马奖”中失利而几乎自杀，直到1774年获“罗马奖”。1775年前往意大利学习。之后创作了《荷拉斯兄弟之誓》使他一举成名。

今天我们很难想象“罗马奖”在三百多年前对于当时的画家意味着什么！蒂利耶在谈到艺术家获得“罗马大奖”的重要作用时指出“可见对于一个画家来说获得这样的荣誉（指荣获“罗马奖”）是非常重要的，他的声誉全倚仗于此。所以，他必然会为此全力以赴。法国艺术中这种无可比拟的竞争精神使得艺术家在获得名声之前无法停歇。对于一般的赞誉，艺术家们可以漠视，但对于种从最具实力的同行中间竞争产生的、经过一系列实践的、由地位显赫的人物授予的、会伴随一生的赞誉，艺术家无法不动心。”

在罗马的法国学院

“罗马奖”（Prix de Rome），是一个著名的法国国家艺术奖学金，旨在提高法国的国家整体的艺术水准，1663年由法国国王路易十四创立。这个奖共有四个类别：绘画、雕塑、建筑和雕刻，艺术家通过竞赛最终获奖者可以前往罗马，居住在著名的美第奇别墅学习三年。

自十七世纪“罗马奖”以来，较为著名的艺术大奖赛还有沙龙奖、世界博览会艺术大奖等。参加艺术竞赛并斩获奖项不仅仅自己绘画技艺得到承认，更是一种竞技精神的培育和体现。“竞争是法国各个美术学院、学校教学的根本基准，这一原则自始至终贯穿着法国艺术家的创作，从他们入校学习开始，竞争意识就伴随其艺术生涯，对他们来说，如果不能得奖，简直是一种耻辱。通过一次次竞争，一次次获奖，直至罗马大奖。” (洪潇亭)

美第奇别墅

因此，通过艺术竞赛获得荣誉、赢得尊重、取得成功几乎是历代艺术大师的必由之路，从让.巴蒂斯特、弗朗索瓦.布歇、雅克.大卫、安格尔、布格罗荣获“罗马奖”；到西奥多，卢梭、库退尔依靠沙龙一次次成功积累了声望，奠定画坛地位；再到热罗姆与梅索尼埃出现在世博会的获奖名单中……

1737年的法国沙龙

“国际艺术大奖赛”特别是写实绘画的竞赛进入当代中国艺术领域是近几年的事情，在众多参与此项艺术竞赛中，青年艺术家于明以其短时间内连续荣获得美国肖像画协会一等奖、ARC沙龙大奖赛最佳作品奖以及写实绘画雕塑大奖赛奥杜邦艺术家奖而被国际写实绘画领域所关注。我们围绕着当代中国写实艺术家怎样走出国门、当代中外写实绘画的现状与趋势以及如何参与国际艺术竞赛等议题展开了深入的交流。

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男人有男人的软肋，女人有女人的优势。如果我们离一个“平等自由的世界”还很远，我们必须不断地去靠近它。《遇言·不止》（中国女性的TED Talks）创始人、知名专栏作家席越，在她的新书《世界上最好的关系是志同道合》中，用42篇观点犀利、立场明确的文章，从全职妈妈聊到职场女性，以国际化的视野审视当下女性的社会处境，以“反鸡汤”的姿态，为女性发声。

张鸿宾，国际艺术经纪人、盛鑫煜当代艺术创始人、《收藏》杂志海外中心主编。

同时担任ARC国际沙龙大奖赛（美国）大使、拉古那艺术大奖赛大使（意大利）、国际肖像画大奖赛大使（西班牙）。

于明，中央美院副教授、中国美术家协会会员、美国肖像画协会会员

向经典致敬

张

在过去的一年中你参加了几个不同的国际艺术活动并且荣获了第十九届美国肖像画协会一等奖、第十三届ARC国际沙龙大奖赛最佳作品奖、第三十九届写实绘画雕塑大奖赛奥杜邦艺术家奖等不同奖项。回顾所取得的成绩，你怎样评价过去一年当中自己在国际活动中的表现与收获？

于明：正如您所说过去的一年确实是让我受到了莫大鼓励的一年。以前中国的油画家对于国际上的这些展览、赛事并不是很了解，咨询也很少。在您的推动下，中国的油画家开始不断地走出国门，参与到这些国际的重大赛事中。对于我个人来讲参加比赛、获奖并不是目的，而是想借此机会能够更多地与国际上的一些优秀的油画家进行交流，并向他们学习。为什么这么说呢？因为油画是西方的画种，孕育这一画种产生的思考模式、观察模式都与我们的习惯大相迳庭。油画传入中国有百余年的历史。在这段时间当中油画在中国几代油画家的努力下得到了蓬勃的发展，产生了很多优秀的作品，在风格和样式上也可谓异彩纷呈，如今各种展览也非常的活跃。可以说中国油画现在已经得到了国际上的瞩目！作为中国油画家也为此深深的感到自豪！但与此同时，我们也应该清醒地看到。我们的油画水平与西方经典油画作品的水平还有相当大的差距。这种差距没有体现在风格和样式上。而是体现在了绘画语言的纯正性与品味和格调上。因此，我个人认为，目前我们仍还处在学习阶段。不能为取得的一些些许成就而感到骄傲。应该继续进行深入扎实的研究与学习——向西方美术史上的经典学习，向现在具备高水平的西方油画家学习。参加国际上的一些重要的比赛跟展览恰恰给我提供了这样的机会。我可以借此机会同一些优秀的画家进行交流，也可以借此机会去更加深入地在博物馆里参观学习！奖项确实能使人振奋，但不是目的。因为你这次能获奖，下次未见得能获奖,历史上没有常胜将军

颁奖典礼现场

张

在参与国际艺术交流频率上，你明显比国内同龄艺术家高很多，除了参加国际艺术竞赛外，这一年多的时间里你还频繁地在美国、希腊、意大利的博物馆看展览，同时又参加了在佛罗伦萨举办的“奥德绘画大师班”等，这种高频率与国际艺术领域交流对你的创作有哪些直接帮助？

于明：其实构成我创作思考的因素不是很复杂。一方面，在情感上我喜欢关注我周围的生活。从生活中汲取创作的灵感。我喜欢人物创作，表现人类的情感和一种生活的状态。但这并不意味着我认为人物创作是一种比较重要的题材。在题材的选择上，我只偏好自己喜爱的东西和有感觉的东西；另一方面就是对西方传统文化的研究与学习。就像在前面我说过的，想学习油画必须要学会西方人的观看方式和思考方式，同时还要了解人家的文化现象以及社会现象，那么到欧洲各国去游历参观博物馆便成为我的一个很重要的学习手段。我每年最少都要出国，一到两次，出国的主要内容都是在博物馆里参观学习。这样看似耽误了很多画画的时间。但却对我专业的提高有着至关重要的作用。因为这样可以让我始终很明确自己与西方经典作品在水平上的差距。差距找到了前进的方向也就明确了。

《在布拉格》荣获

第十九届美国肖像画协会一等奖

ARC沙龙大奖赛最佳作品奖

张

中国写实艺术家较大规模参与国际艺术交流活动是近几年才开始的。尽管参与时间比较短，然而，从目前中国艺术家获得的各种奖项来看，中国艺术家的实力不可小觑。你认为中国艺术家与欧美艺术家就写实艺术的观念、技法、当代思考与继承、发展传统等方面有哪些优势与不足？

于明：中国油画家现在确实频繁的出现在国际视野中。我们的成绩也引起了国际上的瞩目。这些都是让我个人引以为豪的事情。但就像我前面说过的，中国油画发展的时间并不长，这一画种的诞生是建立在西方大的文化背景之上的，跟西方政治、宗教、经济的发展有着密切的关联，也是他们社会需要的产物！“真实性”是西方文化艺术的重要特点之一。油画艺术便充分的体现了这一特点。但是在西方优秀艺术家的作品中所营造出来的“真实性”又不同于我们平日的肉眼所见。那是一种艺术的“真实”、是经过艺术家提炼和概括了的“真实”，更是一种生动的“真实”。具象油画的语言魅力也主要来自于此，能否提炼和概括的处理出真实的体积与空间是进行具象油画创作时不可回避的主要问题。若谈及中国油画家现在与西方油画家的差距，我认为也主要源于此。简单说就体积感不够好，空间感不够好，画面的层次不够丰富，概括点说就是很多基础规律性的问题还没有完全掌握，由此油画的魅力也就没有被我们完全发挥出来，所谓的“油画味儿”不足！现在中国油画家开始注意材料技法的使用，出现了很多在这方面的专家。但我想说的是只沉迷于技法的研究，把它认为是展现油画语言魅力的唯一途径是不对的。其根本还是在于对造型与色彩的研究以及对画面整体关系的控制。举例来说，伦勃朗油画作品的艺术魅力，不是来自于他技法的“神秘”，而是来自于他对画面整体关系的操控。

艺术家于明夫妇与美国肖像画协会主席爱德华·琼斯

《在布拉格》引发的......

张

你的《在布拉格》参加了美国肖像话协会与ARC国际沙龙大奖赛两个不同的活动，而且又分别获得了这两个机构颁发的最高奖项。A R C国际沙龙大奖赛评委主席罗斯甚至把这幅作品对于光线的运用同维米尔的作品相提并论，给予了非常高的评价。你能否介绍一下，这副作品创作动机、技法使用以及作品人物心理活动的表达？

于明：这幅作品给我带来的荣誉，确实使我始料未及。国外的专家和媒体也给予这幅作品以很高的评价，甚至把他和维米尔相提并论。当然这对我来说是一种很大的鼓励，但是我认为却不是那么客观。因为我与唯米尔之间存在着很大的差距。我每次出国看博物馆都会深入的研究维米尔的作品。在他的作品中体现出的那种高度的概括性和生动性是令我望尘莫及的。他的造型很方硬，画面的主次秩序也非常好。这些我都是做不到的。他的画面很小却有着千军万马的气势。不过创作《在布拉格》这幅画我确实借鉴了弗拉芒小画派的一些技法。这幅作品的主人公是我的一位朋友。他是俄罗斯画家，长年旅居在欧洲。但由于性格因素使他无法融入欧洲的文化氛围。生活也过得十分窘迫。他的形象很硬朗，很有特点，所以我很早就萌发了为他画一幅肖像的念头。恰恰是在那一个午后，我们相对而坐聊天儿的时候，窗外的阳光映射在他那坚硬的外轮廓之上，我由此确定了我的创作想法，这幅作品也就随之诞生了

颁奖典礼现场

张

你的作品主要以人物为主，你认为作品中的人怎样体现与反映出其内在的时代特征和精神风貌？

于明：我认为这个问题可以这样来回答，人们生活在社会中，社会的发展对人们的生活产生至关重要的影响。每个人身上都会映射出他们所处时代的一些共性特征，比如价值观，时尚观，审美观等，所以每个时代的艺术家都会自然而然的去创造反映当下的作品。人类具有丰富的情感，每个人又有鲜明的性格特征，彼此不同，这是由每个人的不同基因决定的。作为一位画家，要具备敏锐的观察力，从而能够发现这些特点，只有了解了人物性格特点才有可能抓住他的典型表现，这样创作出的作品才能够形神兼备！当我创作一幅作品时，我的习惯是先要对创作对象进行了解，所以我喜欢画我熟悉的人或物，我认为体验生活是很重要的。

展览现场

张

写实绘画是存在了几百年的西方最古老绘画形式，在当代它又面临着诸多新的艺术形式的挑战。作为一个写实绘画的研习者，你认为以怎样的方式才能更好的继承和延续这一个古老的绘画形式？使它在新的条件和新的语境下保持鲜活、旺盛的生命力？

于明：任何一种艺术形式都与艺术家的思考和喜好有关。每一种艺术形式都不是孤立存在，彼此存在着很大的关联，同时还能互相启发。绘画艺术从写实发展而来，这是由于社会需要而决定的。十九世纪摄影术的发明，取代了绘画的一部分社会功能，因此绘画的实用性开始降低了。画画越来越成为了画家自己的事儿！因此对于个性的思考慢慢的成为了主流。十九世纪末二十世纪初艺术形式开始丰富起来。但我们要看到，任何一种艺术流派的领军旗手们对于艺术的见地都是很深刻的，审美品味也是很高的。这些都离不开他们对于传统的研究和继承，可以这样说，没有绝对的创新。任何一种创新都是建立在对传统继承的基础上产生的。从事写实绘画是由我个人的兴趣决定的，这并不意味着我不喜欢其他艺术形式。每一种艺术形式都产生过好的作品，也产生过不好的作品。因此，作为一名画家，能力与水平是很重要的。绘画毕竟是观看的艺术，所以你得画的好才行！。记得在2017年我在意大利参观时，庞贝壁画的艺术性，给于我巨大的震撼。我几乎从中看到了从那以后的所产生的一切的绘画艺术的形式。可见古希腊、古罗马艺术给于后世带来了多少给养。因为传统文化中所留下的经典作品是经过时间的洗礼的，一些糟粕自然而然在时光中被过滤掉了。留下的便是我们必须要继承和学习的东西！

写实绘画雕塑大奖赛奥杜邦艺术家奖

当代写实绘画的思考

张

我知道你的博士论文是以研究19世纪法国学院派为方向的。你认为当代写实油画与19世纪法国学院派除了主题、内容之外，在哪些方面有本质的区别和进步？

于明：我的博士论文研究的是十九世纪中后期法国沙龙画家梅索尼埃，他同时也是法兰西艺术研究院的重要成员。在那个时期艺术地位如日中天。我们习惯的把这些注重写实能力再现自然的画家称之为学院派，也有美术史家把他们称作自然主义。但要说明的是这里面不是所有的画家都受过学院的正统教育。梅索尼埃便是一例。这些画家其实在艺术的发展上起到很大的作用。但因为一些与艺术无关的原因是他们在美术史上如今很少被提及了，因此我的论文的题目叫《被遗忘的辉煌》。但客观的说，在十九世纪中后叶这些在沙龙上很活跃的画家，虽然大多出身良好，但并没有创造出品味很高的艺术作品。不提炼、概括，画面整体的秩序杂乱，造型很圆……这都是那个时期的画作中出现的主要问题。这些画家再现自然形象的能力很强，但却没能够把自然形象转化为艺术形象。他们对解剖、透视的研究都很深入，几乎无可挑剔。但由于前面问题的存在，致使画面不够生动，整体协调性也不是很好，因此也显得没那么准确了。现在中国油画的审美现象跟那个时期很像。除了风格和样式多样一些以外，其余的没有任何进步，甚至在一些基础知识的研究上还没有达到那个时期画家的深入和精准。这是应该让我们警醒的事情！画家应该对生命和自然有着独到的阐释，而不是简简单单的模仿

颁奖典礼现场

张

你曾谈及写生对艺术家的重要性。当下有很多艺术家依据或者参考照片进行艺术创作，更有甚者因为长期缺乏写生训练，参考照片进行创作成为其唯一选择。你怎样看待使用照片进行艺术创作这一现象？

于明：我不反对利用照片进行创作。因为借助科技手段来辅助画家进行创作自古就有。维米尔就是个例子。但我们要清楚的是，这些优秀的画家借助科技手段来进行创作的目的是帮助自己能看得更概括，更提炼，而不是面面俱到。写生是基础，因为只有在写生的过程中，才能使画家的观察方法得到训练，才能从瞬息万变的复杂的自然环境中抓住一些最重要的特征和最生动的画面关系。这些都是要通过整体观察和比较观察才能做到的，也是只有人的眼睛才能做到的。照片中呈现的关系永远都会比人的眼睛中所呈现出来的关系简单。所以一味的参照照片而缺乏写生的经验是行不通的。德加就是个很好的例子。他大量的运用照片画画，但画出来的都像写生。形象非常生动，有血有肉，画面的秩序也很好！

展览现场

张

很多国外策展人、评论家、艺术家在谈到当代中国写实绘画时，留给他们印象最深是题材单一、粉脂气太重，你怎样看待这种评价？

于明：我觉得这个评价很中肯也很尖锐，同时也很实在。它说明了一个问题，我们现在这个时代高格调的艺术作品太少了。中国这些年经济发展非常快，有钱的人多了。当物质生活得到满足后，就有了精神上的需求。但是要承认我们从小所接受的审美教育太匮乏了。现在中国油画艺术的发展有些畸形。这很大程度可以归结为市场行为对于画家的操控。买画的人不懂美，但却喜欢指导画家画出他们想要的那种“美”。所以要想使中国油画艺术审美得到提高，首先收藏家赞助人的品味得提高，这样一来媚俗的东西就失去市场了，不好的画家慢慢也会被淘汰掉。中国油画现代题材比较单一的一个主要原因也是很多画家都在追流行色。什么好卖画什么，什么容易入选展览画什么。但从来没有问问内心，自己究竟想画什么。题材一下子成为了一个很重要的事儿，却忽视了自己看待世界的态度。其实没有什么小题材，只有大文章。话说的真不真实，诚不诚恳，一听便知道。所以一个题材能否在艺术上立得住，首先得看你有没有兴趣，再者得看你有没有做得好，最怕的就是无病呻吟！

展览现场

愿望

张

你今年的创作是怎样规划的？

于明：绘画是我的生命。我今年的工作计划一如既往。在关注生活的同时，继续努力提高自己的水平。大量的基础练习仍然是我的工作重心，依然会安排出时间出国去看博物馆。几幅酝酿成熟的创作也在有条不紊的进行中。最大的希望就是今年能比去年再进步一点点！