乔恩·博·保尔森

乔恩·博·保尔森（Jon Bøe Paulsen，1958年生）是一位居住并工作于挪威奥斯陆的杰出当代具象艺术家 ，乔恩被誉为挪威最重要的新现实主义者之一。曾就读于美国国家美术学院和波士顿美术博物馆学院。曾举办过个展和群展60余个。一部关于他作品的纪录片获得 1990 年阿曼达奖最佳纪录片提名。

乔恩的艺术实践核心在于将古典巴洛克绘画的精湛技艺与对当代人类生存境遇的深刻洞察相结合 。他的作品并非简单的写实模仿，而是通过强有力的形象化风格，构建出充满心理深度和叙事张力的视觉剧场 。他的核心创作意图在于“捕捉当代人类戏剧”，并将其升华为“永恒的绘画” 。这意味着保尔森的目光聚焦于现代人的内心世界——那些不易察觉的孤独、沉思、脆弱与坚韧。保尔森的艺术风格是一种独特的融合体，可以被精确地描述为“卡拉瓦乔式的新现实主义”。

“盛鑫煜艺术奖”获奖作品

乔恩是一位享誉国际、屡获殊荣的新现实主义艺术家，从事绘画创作已有四十多年。他的作品被世界各地收藏，并在挪威、美国、法国、西班牙和英国的展览中获奖。在过去四十年间，他凭借其独特的“新现实主义肖像画”赢得了国际性的认可 。保尔森的艺术实践核心在于将古典巴洛克绘画的精湛技艺与对当代人类生存境遇的深刻洞察相结合 。他的作品并非简单的写实模仿，而是通过强有力的形象化风格，构建出充满心理深度和叙事张力的视觉剧场 。

在2025年西班牙“TARTGET PAINTING PRIZE”中，乔恩荣获了来自中国艺术机构盛鑫煜艺术颁发给他的“盛鑫煜艺术奖”。为此，盛鑫煜艺术创始人张鸿宾对其进行了采访。

1、     您将自己的核心创作意图定义为“捕捉当代人类戏剧”，并致力于将其升华为“永恒的绘画”。这种对现代人内心世界——如孤独、沉思、脆弱与坚韧——的深切关注，最初是源于您个人在生活中的哪些观察或经历？

答：英国著名电影导演阿尔弗雷德·希区柯克曾经说过，戏剧就是生活本身，去除掉其中乏味的部分。我所寻找的题材要求你已经经历了一些生活。体验过生活的黑暗面，但当然，你也必须保持积极的心态，相信远处总会有一线曙光。我把自己看作一个现实主义者，略带悲观的倾向。我经历了太多的失望。这样一来，跌倒就不那么毁灭性，我也能更容易动员自己的力量继续战斗，因为作为一个视觉艺术家，你必须在孤独中茁壮成长。因此，韧性是通过积累获得的，我会提醒大家不要在过年轻的年龄就追求这样的孤独职业。这可能会造成孤立伤害，进而扰乱艺术家不断汲取灵感和才华的源泉。这是我得到的印象。

2、     您的艺术风格被概括为“卡拉瓦乔式的新现实主义”。您本人如何解读这个标签？您的艺术实践将巴洛克技艺与当代生存境遇相结合，您认为哪些巴洛克大师（如卡拉瓦乔）的作品最深刻地影响了您对“永恒绘画”的追求？这种影响如何转化为对现代孤独的视觉表达？

答：“新现实主义”这个词是一个经典的或“旧”的习语，带有现代的题材。不幸的是，我看到的走这条路的艺术家实在是太少了。也许他们最初过于满足于过去的成就？当代艺术家忘记了，学会这一工具从技术上讲只是一个起点，或者他们确实没有什么新内容可以呈现。我们现在正处于新现实主义的核心。整个风格的重点就在于此。艺术家所呈现的主题必须盖过一切。艺术家必须有所贡献，让具象与非具象的争论沉默吧！不仅仅是展示自己在具象绘画方面的技巧。一个有气质的表现永远无法被一张照片所匹敌。就我个人而言，我对一位美国艺术家安德鲁·怀斯特别感兴趣，他在很多方面是将一个看似简单的题材通过精心挑选的标题提升到新高度的高手：“克里斯蒂娜的世界，远离尼达姆”等等。在这里，我们可以谈论永恒的孤独感

3、     作为挪威新现实主义代表，您认为自己的作品在欧洲艺术语境中扮演何种角色？它是否通过心理深度的视觉剧场，促使观众反思全球化下个体的身份危机？“新现实主义群体”在当代艺术生态环境中存在的价值和意义是什么？

答：我当然希望新现实主义能发挥作用，但今天很难看出它在欧洲是否有什么意义，尤其是在战争威胁迫在眉睫的情况下。在社会民主主义的挪威，这种艺术形式几乎不可能得到支持，因为群体认同往往胜过天赋。当然，要衡量那些具有全球性影响的身份危机也是困难的，但我坚信，孤独的绘画将再次感受到艺术的力量。就像重重的波浪拍打沙滩一样。这种情况尽管在文化领域的其他部分，如电影和电视中存在着巨大的反作用力，但依然如此。我曾有客户因害怕无法获得一幅曾给他们留下深刻印象的画作而失眠。挪威最著名的画家爱德华·蒙克曾有一句名言：“我画的不是我所见，而是我曾见过的。”我曾有客户无法忘记他们所看到的东西。艺术的沟通力。“模糊的思想导致模糊的语言。”——亨利克·易卜生

4、“明暗对比”（Chiaroscuro）是您作品的灵魂。您在使用原始赭石色和黑油媒介进行创作时是如何精确控制光影来“雕塑”人物的心理空间，而不仅仅是塑造其物理形态的？对您而言，画面中的“暗部”与“亮部”，在叙事层面各自承载着怎样不同的象征意义？

答：“少许光线，少许色彩。”一些伦勃朗的画作几乎是灰色的。对比创造空间，三维感。这几乎适用于所有艺术形式。科学证明，只有土色的黑暗画作在公众眼中更能流传下来，历经几个世纪仍然能得到喜爱。毋庸置疑，体积感非常重要。当画作的某些部分在创作过程中被饱和时，我倾向于在画面未干时过度使用中间层的上光漆，造成了不可避免的后果。我知道这种做法的风险，但我依然会继续这么做。在创作过程中保持某种空间感对灵感非常重要。甚至我曾使用过多的自制油性混合物来让画面光泽，结果却发现随着时间流逝，它变黄了。

5、     您作品的核心聚焦于现代人的内心——孤独、沉思、脆弱与坚韧。这些元素如何反映您对人类生存境遇的哲学观？它们是否源于对后现代存在的某种存在主义的焦虑？

答：我在我的题材中寻找永恒性，尽管这些形式——如果你愿意，可以称之为经典的具象——设定在现代社会中。我的一位当代艺术同行曾说，艺术家可以选择自己想生活在哪个世纪。我不相信这种说法，因为我更相信的是，正是对后现代的恐惧才让我们意识到每个人都生活在一个必须与之关联的时代，不论是好是坏。这也意味着，甚至视觉艺术可能会变得多余。如果这种古老的艺术形式要继续存在，当然，不仅仅是技巧能够支撑，艺术家还必须具备通过题材触动社会神经的能力。即使这可能会引起焦虑。

6、通过绘画“讲述真实的故事”，您如何超越摄影的静态局限，深入揭示人性本质？例如，在一幅肖像中，叙事张力如何引导观众直面自身的情感困惑？

答：在我看来，一幅真正好的具象画总是能找到讽刺和现实主义之间的平衡，艺术家通过笔触捕捉了模特，而这些笔触仍然清晰可见。保持粗糙感，而不被诱惑在作品变得像照片之前就把人物勾画得太平滑。艺术深入到摄影无法追随的层次是极其重要的。照片不包含气质，只有艺术家才能通过眼睛、心智、技巧、经验，以及手中的画笔，去展现这一点。那是对生活的诠释。《圣玛丽·玛格达琳的圣血》原本是一幅肖像委托画，但将模特置于历史和宗教背景中，可能会为某些观众创造情感上的困境。在这个同情心短缺的时代，某些人可能会觉得共鸣是一件困难的事。

7、您的肖像画以其深刻的心理洞察而备受赞誉 。在创作一幅肖像时，您与模特之间的互动关系是怎样的？您更多的是在“发现”并捕捉他们身上已然存在的故事与特质，还是将他们视为承载您所构想的“当代戏剧”的“演员”？

答：在这里，区分委托肖像画和我在创作中使用的模特非常重要。在我的创作中，我是自由的，虽然我也会在肖像的相似度上保持谨慎。即使观众从未见过这个人，肖像的相似度总会提升画作的效果。在委托肖像画中，当然有一定的局限性和指导原则。在后者中，我仍然能在短时间内，通过了解模特，加入一种解读，但这种解读方式不会让家人觉得成品画让他们感到陌生。我目前正在创作一幅80岁女性的肖像画。她有七个孩子和22个孙子孙女。最终，评判者将是这个大家庭。为了保险起见，我偷偷地画了她的两幅肖像。她家族的一些成员可能会认为其中一幅肖像最像她，而其他人则可能认为另一幅更为相似。即使在短短的一分钟内，我们也会表达出许多不同的性格特征，除非我们是在摆姿势。

8、您的作品常常探索“脆弱”与“坚韧”这两种看似对立却时常在人性中并存的状态。在您的视觉语汇中，您通常运用哪些具体的元素来辩证地表现人物内心的这种张力与矛盾？

答：我从不画静止的人物画，人物的位置或动作本身不是我主要传达的信息。我也不把裸体画作为对人体的致敬，除非它在构图中有着重要的功能。我在学术时期完成过无聊的裸体素描。我的大尺寸画作有着非常特定的主题，正如之前提到的，我对标题的使用非常谨慎。最好使用一个词，希望它能提升观众的观赏体验，几乎就像是一点微妙的香料。我可以在画作中使用象征性物品，以更好地描述画面中前景人物所处的情境。我在许多画作中做过类似的处理，比如《她的世界》和《百年沉睡后》。

9、您致力于将“当代戏剧”升华为“永恒绘画”。在处理具有鲜明时代特征的主题时，您是如何通过构图、色彩和人物姿态的选择，剥离其纯粹的时间性与社会性标签，从而触及其背后普世的人类情感（如悲伤、爱、隔绝），进而赋予作品以“永恒”的特质？

答：我不会把这些元素去掉。让当代元素出现在画中是重要的，比如一个戴着手表的人。找到永恒的主题很重要，但与此同时，我不害怕画作展现出我们时代的印记，它应该展现。这恰恰是今天具象绘画中的现实主义要点。另一方面，我们的时代以鲜明的色彩为特征，我依然觉得，通过严格坚持使用土色，还是能够表达出某种情境。这也很重要，因为时间已经证明，它更能给我前面提到的题材带来永恒感。伦勃朗也画过他那个时代的题材，如果忽略他对圣经的精彩插图的话。他曾被遗忘了200年，但如今，他的题材是永恒的，尤其是人际关系这一主题。

10、您曾强调，艺术应当超越照片的局限，讲述更深层的故事 。在您的具体实践中，“绘画性”（Painterliness）——即笔触的质感、颜料的肌理和色彩的主观运用——是如何赋予一个最初可能由照片捕捉的静态瞬间以新的时间维度、情感深度和叙事动力的？

答：我在构思题材时积极使用摄影。有时它作为模特回归的检查清单，有时则作为复杂构图的基础。有些题材根本无法像过去几个世纪的艺术家那样通过模特站在讲台上来绘制。在我的情况下，模特们根本无法停留足够长的时间来满足我的需求。她们必须被摆好姿势，然后拍照。像《窄路逃生》和《面具下的面孔》这样的题材就是如此。后者我花了十年时间创作，最终完成了几幅油画、水彩画和石版画。这是一幅专注于服饰、珠宝和珍珠项链的画作，与那些放下面具的女性皮肤形成对比。它是一个很好的例子，说明了照片本身是“死”的，但在最终的画作中，女性却是“活”的。依我看，画笔的笔触在观众心中留下了更深刻的印象。对于这个题材，我首先画了石版画版，实际上，我感觉我永远也无法用任何一幅油画来匹配那张纸上的作品。这在以前和以后都没有发生过，通常是相反的情况。

11、在21世纪的今天，观念艺术、抽象艺术和数字艺术等形式占据着主流视野，您所坚持的这种融合了古典技艺的具象绘画，其面临的机遇与挑战是什么？您如何看待自己的作品在当代艺术生态中的位置、价值以及与观众沟通的独特方式？

答：现代主义作为一种礼物降临到了富有且有影响力的人们手中，因为他们可以交换那些不需要他们亲自处理的艺术作品。那些色彩上与女士晚礼服相匹配的画作，并且没有涉及令人不安的主题。艺术没有立场，艺术不提供任何答案。大家都能达成共识的艺术作品，如果有足够多的人同意，它就能成为一种安全的保障，像黄金一样。随着数字艺术的出现，这变得更加容易，因为你不需要找一个天生有才华的人。在我们这个时代，每个人都觉得自己必须进入舞台，无论是否有天赋。只不过，原本应该有观众的大厅变得模糊了。舞台上的人看不见，观众席上的观众比讲台上的演员还要少。互联网在发明后十五分钟内就变得拥挤了。然而，年轻有才华的艺术家终究会生存下来。那些本不应该出现在聚光灯下的媒体狂热，改变不了这一点。只不过这可能需要更长一点时间。

12、您计划如何进一步扩展“捕捉当代人类戏剧”的边界？或许融入新兴媒介或跨文化对话，以深化对坚韧与脆弱的探索？

答：在构图方面，我已经找到了自己的工作方式，但正如我之前提到的，偶尔与真人模特一起工作也是令人愉快的。我也不觉得自己需要通过从新闻中寻找戏剧性的题材来保持“时效性”。我从来不需要那样；另一方面，如果我没有那些自己会“强迫出现”的题材，我可能就会看到自己艺术生涯的尽头。目前，只有一个场景是我想真正放到画布上的。暂定标题为《特别的客人》。一个富翁的妻子给一名流浪汉提供了一顿连最挑剔的美食家都会垂涎三尺的餐点。观者永远无法完全知道如此馈赠的背景是什么。

13、回顾整个艺术实践，您最自豪的成就是什么？它如何印证了您从巴洛克传承到新现实主义创新的旅程，并为后辈艺术家留下何种关于人性永恒性的启示？

答：在我将近50年的艺术生涯中，有两件事尤为突出。一件是我在1990年以《将军的早晨》一画入选国家艺术展（秋季展）。这是挪威非常重要的群展，因为每年都由国王陛下亲自开幕，而要通过评审的遴选也非常困难；第二件事与电影有关——一部关于我和我的画作的纪录片。当时，这部电视纪录片获得了私人资助，而在那个时期，在挪威唯一的电视台NRK之外进行电视制作是非常罕见的。在这部片子被NRK拒绝播出后，导演打电话问我是否应该将其提交到享有盛誉的阿曼达奖（挪威电影与电视的最高奖项）参评。“这要花多少钱？”我问。“大约150欧元，用于制作VHS拷贝。”那一年，这部纪录片与我在秋季展的首次亮相同时入围阿曼达奖。评审团的组成是高度保密的，但后来得知，它由NRK的员工组成，而他们的投票与自己机构的管理层立场相冲突。我身上发生的事情，是可以被重复的。即便对今天的年轻艺术家来说，也依然存在着迎风前行的希望。