廖婉凝参加INNOART PRIZE 国际美术竞赛荣获银奖

2019年06月—《艺展中国》廖婉凝油画作品展
2019年10月—2020年5月——独立完成中国科学院院士72人油画肖像创作
2022年03月—获得中国社会艺术协会艺术水平考级管理中心美术监考官身份
2022年06月—中国名家艺术展廖婉凝作品展

2022年7月—廖婉凝风华正茂精品作品拍卖会
2022年08月—受诗人作家伊沙之邀为其人物传记小说《李白》创作油画李白肖像
2022年09月—油画创作《纺车》入选我的延安——全国主题性美术作品展
2023年04月—油画创作《白日梦》获得2023年度INNOART PRIZE国际美术竞赛银奖
2023年06月—油画《男性的精神内耗》第161届法国巴黎国际艺术沙展
2023年12月—形色西安艺术跨年展 
2024年04月—油画创作《云肩 / 廖婉凝 / 油画》获得2024年度INNOART PRIZE国际美术竞赛银奖
2024年04月—油画《女性生活》入选美国融合艺术第七届年度女性艺术家国际线上展览
2024年05月——油画作品《纺车》入选中国十四届全国美展港澳台及海外华人作品展238号
2024年9月—加入美国油画家协会OPA国际准会员美国油画 协会会员资格
2024年9月—“塔吉特绘画奖”大赛颁发的廖婉凝艺术推广大使身份的授权
2024年9月—ITSLIQUID国际集团聚焦艺术家栏目评论家Luca Curci对画家廖婉凝专访
2024年10月—加入美国肖像家协会会美国肖像协会资格
2024年10月—加入加拿大艺术家协会SCA会员官网给SCA会员建立的个人网站
2024年10月—2024年美国艺术大赛中获得3个美国艺术奖
2024年11月——受邀与美国知名宠物美容大师Lori Craig跨界合作

2024年11月—

CIRCLEFoundation for the Arts  CFA Press 艺术家栏目对廖婉凝艺术评论
2024年12月—意大利著名艺术评论家桑德拉米兰达对廖婉凝艺术专访
2024年12月—油画《二个8岁男孩》入围2024美国肖像协会会员专属竞赛第五动物主题
2024年12月—地球上的艺术家专访
2024年12月—SAATCHI ART 为廖婉凝建立了个人网站
2024年12月—LightSpace Time冬季艺术展绘画艺术家前12名
2025年1月—油画《城市的角落》获得LightSpace城市景观艺术展荣誉奖
2025年1月—

意大利艺术权威杂志《La TOSCANA nuova》封二
2025年1月—美国第29届个人艺术系列艺术大赛第6名

在艺术创作中，女性艺术家带入女性视角是自然而然的事情，但是创作本身并不具备因为性别而产生巨大的思维差异性。

Winter is quiet. In this season you can calm down and savor every moment of life.

10-延安1938-布面油画综合材料-120×140cm-2022

The survival of all biological signs is inseparable from the multiple transformations of the physical nature and the technological and humanistic environment, which have formed all kinds of incredible life states of modern people within our sight.

11-地下室的旧油灯-木板油画综合材料- 50× 71cm-2019

12-地下室的木工具箱 - 木板油画与综合材料-50× 71cm-2019

 你的作品有一种显而易见的情绪蕴含其中——一种压抑的困惑、一种悲情的愤懑、一种逃避的急促，其中最显著的是一种对现实失望后，无法遏制的愤怒。因此，作品成为消解、稀释这些惆怅与伤感的发泄出口。你认为艺术（绘画）是否可以在人极度消沉的时候，作为给人以宽慰的精神慰藉？

艺术是个大范畴，是自然赠与人类最好的礼物，音乐、美术、戏剧、舞蹈、文学、建筑，甚至工业文明成果，科技发展的产品多样性，我觉得都可以成为艺术创作……

艺术指数是人类文明可见之活化石，人类不可能摆脱艺和术带来的成感和愉悦，这是人类的自然属性，是独立于外在阅人眼目的高级精神活动遗产。创造力是人类特有的启智力，它也是5千年人类文明发生发展的绝对意义上的精神创举，人类命运和精神大同的根源，艺术产生的意义就在于此。

放眼世界著名博物馆，海量的绘画作品，承载记录着人类活动发生发展及宣教信仰，神学观念，审美立场等等。绘画是独立于语言和文字之上的图像范式，启蒙与说教直白而有力。是超越民族和时间，超越信仰和文明，超越历史和国家的伟大人类特有的行为学创举，绘画的人文价值不需要被后世诟病，它已经是人类文明最有力的说明书。图像的意义可见一般。

艺术（绘画）对于你的人生而言意味着什么？

意味着值得一生去玩味的游戏和快乐，需要积累经验、失败和成功，体验与感受。需要从新开局，尝试战胜对手。需要不断操练，学习其他玩家技巧倒戈。需要了解新的游戏规则，尝试新攻略与防守。需要加强装备，挑战更新极限难度值。需要一关一关横刀立马、勇往直前，直到通关。不失去越挫越勇的傻气。

绘画作为一种表达人们诉求与愿望的语言，从不同维度反映着现实生活与客观世界。卡夫卡却说：“所有语言都不过是拙劣的翻译。”你认为绘画作为语言在反映人与世界方面，是卓越的手段？还是拙劣的表达？

我不觉得是拙劣或者是卓越的，绘画是另一种直观的向世人表白的方式而已，我是这么看世界的……

是人们除了书写和言语之外的对客观世界和现实处境的一种述说！每一张绘画作品都是直面画家内心审美感应和思维方式的外化实践。其实未必能具体真正说清楚什么事情，但是对我而言，它是对世界的观察与反馈，我觉得我更像这个世界的偷窥者，局外人，凡是语言累述不能准确表达的，也许，通过绘画可以弥补或者延伸出更为广义的审视，肉眼可及或者说是对宇宙的另一种超级局部的观察方法，这就是站在上帝视角。无论抽象画还是具象画，绘画本身是毫无意义的，只有人作为万物的尺度，它才有了意义。

你近期的一些作品与之前的相比较，在创作意图和表现手法上，有一些显著的变化，不难看出你在探索当代语境下的思考和研究绘画本体语言的努力。是否可以谈一下你目前的创作状况？

我这两年在尝试在绘画中加入新的材料、纸张、立粉、矿物质粉、植物、纺织品等。启发来自日常参观国外美术馆、博物馆。接受国外美术咨讯和对当代艺术潮流风向研究，我的思虑和眼界的打开，使得学习力和包容力的扩容。原来的状态似井底之蛙。观看经验乏善可陈，无论写实具象还是当代绘画的理解力都脱离断后全球化艺术风向。我认真想过这个问题——国内的艺术创作局限性到底何故？如此各自为战、且闭门造车？大程度上受限于什么？无论是题材，绘画语言，技法材料多少都受到了某种局限和钳制。

中国人画中国画、写中国文字的经验由来已久。或多或少中国式审美和文人品格融入华人文化传承的血脉之中，尚古诗词歌赋、笔墨意趣都彰显着内敛和谦卑，程朱礼学影响力力透当下之国人之生老病死，衣食住行之中。很多中国画家无论发心是油画还是国画，都有拿毛笔在宣纸上作画写字的经验，审美上广泛趋同，至今生生不息。模古不论今。将“中西合璧”“西为中用”作为的艺术创作的最高追求目标。在评价体系上也是一样，中国艺术家作品发表和创作意图被体制内各级美术家协会之类的官方意识形态长期霸屏和统领。而油画这一舶来品在中国的出现也不过百年，大量的学习西画的从业者无法找到属于这一画种的的专业分级机构和专业的评级机构，被层级分明的各级地方美术家协会分层管理，而很多这些协会的领导们多数也都是中国式审美，中国画评价体系锻炼出来的审美标准，对西方当代艺术的理解和观看无法脱离毛笔墨汁给与的养分，导致了大量的绘画在意识上层面上无法摆脱母体文化的控制，评选的不公平，尤其是当代艺术家的作品。

体制外的绝大部分艺术家也没有办法彻底被市场化操作与引领，西方发达的艺术品管理经济学几乎是畸形发展状态。不成熟的经纪人机制每天都在毁灭着无数在艺术上有独立人格，创新思维的年轻艺术家。可以说在中国搞当代艺术成功者屈指可数，幸运至极。其他人几乎是全军覆没，谈不上前途和未来。由于网络技术管控、制度、体制等诸多因素。他们没有机会和窗口接触到正统的西方艺术体系潮流和评判体系。这是我们的悲哀还是幸运？

好绘画不是没有，而是无法被发现，上升路径不确定极度堵塞，可以说在国内当代绘画艺术的出路式渺茫黯淡。除非是国内官方认可的八大美院体系及地方各级艺术院校中的教师队伍，以及各层级地方美术家协会的各级艺术家会员们，他们也许有机会在教学上需要接触先进的西方美术思潮，也算是最早一批觉醒的艺术家。有机会在这样极不平衡的艺术生态圈内崛起。

我的创作状态是相对自由且奔放的。我是那漏网之鱼般的存在。即不在体制内，也不再体制外，像夹缝中的一簇海棠，算是个特例。

我在2007年签约香港抱趣堂当代艺术博物馆，在创作上自由发挥，随心所欲，那时绘画对我而言，是工作、是一种思维方式。更是奖励机制！那时画的画售价远超与我当时入职的杂志社。这也成为我激进式艺术生活的最大动力。

我在创作上渴望具备在尺幅上追求画面张力的大和构图色彩及人物个性追求，并强调叙事性。使观者体验渴望达到不可言说及内省自我的目地。是我希望达到的成品果效。叙事性是需要设计和深思才能在画面成立的一种创作方式。

静物，风景，花卉等等都是我不大喜欢画的题材。对我而言这一切过于抒情、柔美。无非技巧变化和铺陈转合的照抄或者变形。画面装饰性强于过于直白轻巧，让人甜腻和羞于承认的肤浅。我喜欢在绘画中加入个人感情，呈现人类情感中的伤痛，悲怆，离别，死亡等等人们最厌弃和唯恐不及的那些负面而无伤大雅的隐痛。我希望在画面中看见人物故事、情节和女性魅力和性暗示等等因素。我想要观众直面内心的冲动、欲望、愤怒、和苦楚。持久性反思才耐人寻味，就是我想要达到的目标。

我对政治、社科、历史、文学、心理学都有着浓厚的兴趣，我无法做专业性深入研究，但话题新闻、社会热点，从众模式、群体行为学也都会成为我观看周遭的创作的素材和路径。总之，我对人类怀有悲悯和好奇，我希望我的创作有影射和客观再现的来讲述我眼中的时代性格，人物关系、两性关系、亲子关系、人与动物，、人与自然、人与空间等等，不脱离现实的某种真实性的那些“看见”。

你的许多作品中表达了强烈的叙事性倾向，因此，作品有了些许文学作品一样的可读性乐趣。这些是否和你的写作与爱好文学有关？你认为作为一个视觉艺术家，诗歌与文学对于绘画帮助的作用体现在什么地方？

当然有关系，我们活着，感官体验感受着周遭的各种发生发展，这是生命中最顽强和无意识的体验感，睁眼一刻，我们感受着一切与我们生命有关的人，事，物。直至死亡来临。生命体验就此结束。

诗歌和文学对我来说，很必要，也很多余。我承认语言，文字常常会把我变得多愁善感，甚至长久不能平息。我也知道都是假说，这类作品具备强大的欺骗性，比语言的欺骗性更是强大持久，文字相对遵从内心所思，外化情绪。我因早年工作的原因认识很多作家，诗人，这个群体多数具备的特征是敏感、睿智。多数都是品论、演讲高手。但是他们普遍具备的常人不具备的一种人格，就是极具掩饰能力的虚假性表演性人格。违背个人立场和价值取向的文字和陈述方式很多都很可疑。

有点像辩论赛上的正反双方的雄辩家，里外都有理。作家是个危险职业，我觉得他们在某些时候和我一样是社会学范畴里的偷窥者。引述，改编，延伸，偷听，伪造，超意识，泛文化，文学本身和绘画一样，是思维方式的产物。诗歌是绘画中的小局部，小说散文是绘画的整体观。这样类比比较直观，无论文学表达和绘画造物都必须拿捏一个要领，那就是高度概括和细节刻画。就这一点而言，我是比较擅长的。这一切都有赖于创作者的观察力和打碎重组的重塑能力，都是冷眼旁观的偷窥者和记录者。

肖像画有很长的历史，但是人们愿意以文艺复兴作为现代肖像画的起点。自文艺复兴以来，肖像画发展经历了六百年左右的时间。肖像画在发展过程中，经历了脱胎换骨的变化——即：每一个时代都有其时代特征相联系和相对应的美学标准、表达手段以及表现形式。你认为二十一世纪的肖像画的“当代性”最大的特点和区别于之前的不同主要表现在哪些方面？（你怎样定义肖像画的当代性？）

我觉得这个定义特别好区别，“现代主义”就是反传统的即刻、当下真实超越或再现日光之下的艺术形式。当代意识形态的历史语境就在这里，我们就身处其中，无时无刻。在世的艺术家们的一切创作我觉得都具备当代性，并无二至。一笔画不出二个圆，那我们也画不出中世纪和唐宋明清的人物个性与气质。不同时代造就不同的时代的精神质地，或粗糙、或伪善、或真诚、或自由、或苦难……历史从来都无法被复制和改写。

肖像画的当代性，与古典时期的最明显的差异就是神性的消失和人物自然属性的被看见，抛弃了超越人性的完美和神圣。更多的普通人出现在绘画中，虽然这一时期的绘画远远不能及古希腊时期的唯美艺术造像理想，但是人性的回归和宗教束缚的逐渐瓦解，灰暗的中世纪美学稚嫩又笨拙着激发出越来越多艺术形式风格，脱离了死寂的祭坛文明。而活跃的民间美术依旧被种族和宗教审美捆扎，依旧框据着艺术领域。民间艺术市场逐渐兴起，释放出爆炸式的能量，从圣像画走下神坛的那一刻，越来越多的绘画从业者的出现，订单肖像画的兴起，从权贵阶级到逐级向下走入寻常百姓家经历了三百多年的历史进程。

后续的二百年大航海海洋商业文明，欧洲发达国家的兴起与兼并，艺术匠人的走穴和兴盛，逐渐脱胎出了特定的职业——肖像画家这一职业的兴起，促成了这一画种的繁衍与崛起。肖像画正式登上历史舞台，记录着欧洲历史的文明脉络和国家间的起承转合。

20世纪之后当代肖像画的更偏重个性与身份的匹配，贵族，城市贫民，商贩，农民，普通百姓，妇女儿童，传教士，更多元、更广泛的将各阶级层面上寻常人类各种仪式和日常活动被都可以成为被绘画对象。你从大量的博物馆藏画都可以寻找端倪，这些作品更具人文精神和平民视角，是令人惊叹和动容的全人类艺术遗产。

你认为艺术家如何利用肖像画来反映当代社会问题和社会变化？

艺术家其实无法通过任何形式的绘画来反应诸多的社会问题，更别说肖像画。它几乎和其他画种是双生子一般的存在，这不应该是绘画解决的问题。绘画解决的是精神需求，不解决社会问题。好比理发师无法负责你变美，发型固然重要，你真实的面孔不会因为改变发型而变美，它只负责修饰面孔。

其次“肖像画”这个词汇说法我认为也是观念性的误称。有人物存在构图当中身形装束清晰可见，却无法识别面孔的画作称为肖像画？还是清晰可见面孔、表情、服饰和有景深或者平面的画作叫做肖像画？风景中的人物，人物背景里的风景，也许都可以清晰可见，这样的案例也比比皆是，不知道各国艺术界是怎样定义的？

通常说的肖像画就是清晰的看见五官服饰人物构图占比画面70%以上。可是这样构图版式其实难以反映任何社会问题和民族迭代的变化，反而是类似梵高《吃土豆的人》雷诺阿《芭蕾舞女》卡拉瓦乔《自由引导人民》伦布朗《夜巡》……才能影射出时代问题。那么是不是这些画作才应该被称为肖像画？群像和个像是否应该被单独命名。

坦然面对图像艺术的全息时代，一切可能性都可以被应用，个人拙见绘画已经被日益升级的众多媒体数字技术手段边缘化，触目惊心的海量数据备份着我们想象力中一切图像需求。审美多元且潮流趋向被日益繁荣的商业美术市场超越，审美被光怪陆离的超次元商业文化策反为极为幼态化、平面化、诡异化、神秘化。

肖像画这个概念也早就被解构于海量的数字图像信息中。多媒体的介入，更加剧了纯艺术绘画的历史性消亡，无法明确的界定出肖像画这个概念，显而易见，AI技术本质上已经完全可以取代绘画成型的溯源性。数字媒体技术合成图像在当代艺术已经有了一席之地。当代性绘画仅仅是手工纯粹绘画这单一类别，装置艺术，三维立体艺术，空间展示，声音图像结合的多媒体视频艺术，逐渐占据了主流艺术展览和展示空间，画廊展厅也逐渐被大众消费的商业场所扩容成包容艺术展示的另类空间。传统所有类别的艺术边界已经被打破，全球化下人们其实早已融入成为当代艺术中的同谋和参与者，并不自知量级的小分子、小细胞。我们正在创造、正在参与人类史上最无法准确定义的精神生活的艺术实践，人人都可以设计创造艺术产品。无处不在的艺术图像变量分裂出无数可能性。云端信息储备让传统绘画属性变得模糊不清，可有可无。不在是占据博物馆的帝王、皇家、教堂推崇的高级宣教工具和奢靡消费。艺术本身也已经被融入或者说消解于人类多元繁杂的生存需求中了。

绘画其实离死不远了。但绝对不会消亡，它已经被新的视觉体验替代了。

肖像画的主要特征之一是其功能是表现个人的外貌形象和性格特征，现代观念艺术运动对当代艺术最大的影响之一，就是对纯粹表现的批判。当代肖像绘画已经远远超出了原有的边界，向更具实验性地广阔领域延伸。在探索肖像画当代性方面，你作了哪一些尝试和努力？

我没有更多的探索和努力，我甚至可以说在返古，上个世纪工业文明之后的科技迅猛发展的今天，高科技电子技术的广泛应用，瞬间就可以合成我们需要的任何图像，无论任何画种和风格，技法都被芯片技术替代，人手绘画完全不能与计算机算法抗衡匹敌，在海量制图APP软件中，手绘顶多是概念草稿。纯手绘的艺术表达越来越显得弥足珍贵，我一直在纵向与之前自己的设计创作对比，还原手绘淳朴和耐心的漫长过程。再加上对新绘画材料的探索，在我的画布上做迭代更新的尝试，这对我个人而言是非常有趣的体验，我无法预知未来的艺术风向将会去向何处？我能做的是不忘初心。把我对人群的观察和看法，用我能掌握的绘画原理和技术方法重组成我想成为的肖像样式和画面构成，我只想让自己满意和喜欢这些作品，至于它们能为世界艺术带来怎样的观看和影响，完全不是我个人可以关心和左右的事情了。

每一位画家大概都有自己所关注和聚焦的兴奋点，那个兴奋点能够激发画家的极大潜能，从而让自己的天赋与才华毫无保留的发挥出来。比如弗洛伊德对于包含色情元素的东西痴迷，他毫不掩饰地说“真正让我兴奋的画作无论主题是什么，都有色情元素或一面”。对于你而言哪些主题或题材是你关注的焦点？

我关注的最多的兴奋点事不存在的，或者说无法确定。人类的思考方式有非常明显的局限性和个人情绪。只能说不同人和人之间的亲密关系、二性关系、亲子关系、种群关系、孩童成长，群体性灾难和阶级贫富差异，国民特性和民族感情等等是我比较喜欢关注的问题。

 “隐喻”是艺术家常常使用的一个表现手段，隐喻的功能是从心理学的角度转换成图像，它将真实的意图有一种较为晦涩、转喻、夸张、反讽、甚至矛盾的修饰法表现出来，以增强观者在解读作品时的参与感和体验度。在你的许多作品中，也发现了使用隐喻的表现状况，你认为“隐喻”的象征性意义是否具有强化作品主题的作用？

我不知道！经常我在设计画面内容的时候是内容先于形式，成型后画面往往会有一些其他我未曾想到的意向出现，这也不是我有意为之。大概这也是绘画主题外放张力所致，对我而言也总会算是额外的惊喜。尤其是当画面中引申的意义被他人发现新的表征意义。而我在不自知的情况下这更像更是一种馈赠，它也许不是强化主题，有时候反而是产生了歧义，与我的艺术主张背道而驰。

肖像画长期以来一直是艺术的灵感来源，从古希腊雕像到当代人物绘画。虽然许多艺术家倾向于将人物肖像唯美化、理想化，但也有艺术家则专注于更大胆的探索，这种探索甚至向怪诞方面发展，弗朗西斯·培根就属于这类艺术家。他的作品中的形象和肢体都是扭曲和变形的，从而赋予人物心理深度的探究。“我总是希望将人物的外表变形，”培根说。“我无法按表面意思来画他们。”你是怎样理解他说的话？

我觉得他是对的。当我们试图去描述一件事情的时候，其实说出来已经不是那件事情了。语言总是容易产生与事实不符的逻辑错误。无论我们以为自己多么努力诚实的在尊重刻意描写着对象，其实落到画布上的那个本已经和对象的真无关联了，“像”与“相像”表面意思已经走样了。佛洛依德的自画像，包括他的《女王肖像》就是最好的例证，我们完全可以说那些画就是一堆颜料笔触，和本人毫无相似之处。这完全就是二件事物。视觉幻像而已。万物一切冠名都是命名者一厢情愿的做法，造物主从来不反对命名，但自由意志选择权，让我们具备了辨识美丑的能力，你眼中的美在他人未必是好。提及之时已过三秋。瞬间及过往的道理既是如此。因此，任何绘画都无法还原事实，画面本质是画家个人意向和笔触扭和的混合产物，可圆可方，冷暖自知，意在表外，观者自在。无论唯美，变形扭曲总有灵魂与之匹配并共勉。

你的作品基本上属于传统的规范，虽然近期的作品发生了一些变化，但是依然没有超出写实的范畴。你是否思考过在你的创作中尝试一些颠覆的和不一样的样式，以增强个人风格的辨识度？

考虑过，正如我上一个问题真诚表白一样，习惯性审美格调是自然和观看经验的综合养成的无法言说的一种感觉。不是一朝一夕可以改变的，我在绘画上很难刻意去挑衅我眼睛不赞成的样式。审美多样性和成长值必然导致一段时间会被某种艺术潮流和流行文化影响。而颠覆自我根深的审美惯性总是件比较费劲的事情，自我规训的难处是持续性自省。外在表象改变是容易的，但也是肤浅的。从未有一位哲学家在其著作等身的时候，否定自己的哲学论证思想是错误的，并且他一直在错误中寻求真理，画家我相信也是一样。改变总是需要契机和原动力，或者说失能于某一时刻，被深深刺激到盲目自我膜拜的开机模式中。破茧重生是每个艺术工作者的毕生诉求，好的总是难的……但追随某个艺术流派的跟随者，这是不是也是某种自我背叛？是不是也有点可耻？我还没想明白。

个人风格在我看来，是一种可遇不可求的精神偶遇！这就好像像掌纹，像眉眼，五官无有绝对意义上的相同。一切风格化的作品都可以追溯画家出道身世的审美启蒙时期，转变风格取决于多方聚力。成长背景、学艺经历、生命活力、观看经验和实操经验，缺一不可。

正如圣经所言，日光之下并无新事！我能做的就是继续去探索，多方佐证。没有二片一样的树叶，也没有完全相同的绘画风格，作品的差异化和同质化是由于艺术家被启蒙之后长期秉承主观行为能力决定的。总之，最难的事就是不断自我否定，颠覆自我评价，思维惯性只能从被严重低估的自我怀疑过程中某一刻幡然悔悟，才能真正一以贯之下去，否则钟摆效应就是未来。